Виктория Арчая: нужно обладать огромным мотивационным фондом внутри себя и терпением

Автор
dance.ru
26674
0
26674
16:00 от 16.04.2023
Автор: dance.ru

Моноспектакль Виктории Арчая «Триптих. Автопортрет» в 2022 году был выдвинут на национальную театральную премию «Золотая Маска» в номинациях «Лучший спектакль современного танца», «Лучшая женская роль в современном танце», «Лучшая работа хореографа». «Триптих. Автопортрет» - личная история, рассказанная на языке хореографии. Премьера спектакля состоялась в 2020 году на российско-французском фестивале DansePlatforma, где спектакль стал лауреатом и был приглашен на гастроли во Францию. Виктория Арчая является не только хореографом спектакля, но и танцует трех гениев - героев «Триптиха»: Фриду Кало, Петра Чайковского и Хазрата Инайат Хана. Устремления и разочарования, поиск и философия этих творцов удивительным образом проявляют себя в тонкой и точной танцевальной лексике, говорящих хореографических образах, которые становятся личным откровением самого хореографа.

Редакция портала dance.ru поговорила с основательницей Libertatem, лауреатом 1 степени Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов, обладательницей статуса The Blueprint 100 в категории «Танец» Викторией о ее спектакле, о сложностях в коммуникации, с которыми могут столкнуться хореограф и танцовщик, о том, каким в ее понимании должен быть идеальный танцовщик и о многом другом.



В ТАКОЙ ФОРМЕ ВЫШЕ СКОРОСТЬ ОСВОЕНИЯ, ПОДКЛЮЧЕНИЯ, ПЕРЕКЛЮЧЕНИЯ МЕЖДУ СЦЕНАМИ

У меня есть несколько работ, где я являюсь хореографом и исполнителем, но это первая работа, решенная именно в формате моноспектакля. Хотя мне всегда казалось, нужно дожить до седин, чтобы поставить моноспектакль (смеется). Но так случилось, эта работа появилась, когда мне было 27 лет.

Это моноспектакль, но в то же время, кроме главного героя, чей автопортрет мы видим, в пространстве сцены существует еще один участник. Его роль я уточнять не буду, пусть зритель сам откроет ее для себя. Эта роль предполагает некоторую свободу для зрительских проекций, и мне бы не хотелось задавать здесь рамки. Скажу лишь, что это перформер, который действует и решает свои задачи. Наше взаимодействие максимально бесконтактно. Танцевальные дуэты в этой работе неуместны. Меня очень интересовал такой формат - существование двух исполнителей без прямого контакта и даже без прямого переплетения в мизансценах.



Если говорить о том, что легко, что сложно в соединении хореографа и танцовщика в одном лице, то, конечно, в такой форме мне проще сочинить и гораздо быстрее естественным путем внедрить материал в тело исполнителя. Поскольку ты являешься и создателем, и исполнителем, то момент передачи материала – обычно очень детального, точного, кропотливого труда – этот этап, можно сказать, мы перепрыгиваем. Поскольку все рождается из тела хореографа, т.е. из моего, и мне остается только корректировать, уточнять, может быть, от чего-то отказываться. Но это уже следующий этап. Момент передачи, я, некоторым образом, миную.

Еще в такой форме гораздо выше скорость освоения, подключения, переключения между сценами. Ты зависишь только от своего собственного настроения, физики, включенности, сам себя мотивируешь и организуешь. Часто это тоже более короткий путь, чем когда мы ищем общий язык с исполнителем, потому что это глубокий и не всегда простой процесс. Правда, иногда очень сложно себя мотивировать на репетицию, на чистку. И это один из минусов – сложно самому себя вычистить. Нужно обладать огромным мотивационным фондом внутри себя и терпением, чтобы взять и отработать с самим собой собственный спектакль, хронометраж которого 45 мин, где очень много лексики и текста, различных мизансцен и сделать это так, чтобы все было очень качественно, ничего не упустить.
Для этого я пользуюсь видео. Записываю, отсматриваю, и так повторяется до бесконечности. Поскольку приходится делать это последовательно, то репетиция, которая могла бы идти час, длится 2 часа. Потому что сначала нужно станцевать, отсмотреть, проанализировать, исправить ошибки и снова станцевать, записать, проверить. И это цикл с бесчисленными повторениями.
Еще будучи хореографом и танцовщицей в собственном спектакле, мне очень нравятся окошки импровизации, не застроенные текстом, – их немного, но они есть. Для меня это всегда моменты удивления от собственного спонтанного выбора. И это дорогого стоит.

СОЗДАНИЕ ЕДИНОГО МИРА ДЛЯ ТАНЦОВЩИКА И ХОРЕОГРАФА

Первое и самое очевидное, что нужно сделать хореографу и танцовщику, чтобы наладить взаимодействие, это, как ни банально, найти общий язык, один общий мир. Если этот мир найден, то метафоры и всё погружение создаются вместе, и тогда и танцовщик, и хореограф разговаривают на одном языке, и преград нет. Если вдруг танцовщик все-таки попадает в зону, в которой он начинает оценивать процесс, в большей степени, чем это нужно для постановочных репетиций, то тогда идет некоторое разрушение. Иногда очень важно оставаться абсолютно чистым и открытым к тому, что приходит. Даже в странных, непривычных, непостижимых изначально работах. И это не просто вопрос доверия хореографу. Такая открытость - это профессионализм. Это большой профессиональный труд, с которым не каждый танцовщик справится. Поэтому самое важное и непростое - это создание единого мира для танцовщика и хореографа. И тогда все складывается.

Бывает, что телесная коммуникация не складывается. Хореограф хочет одного, например, лексически, а танцовщик не может этого дать, потому что он не владеет этой телесностью. И приходится очень долго и усердно искать новые точки соприкосновения, адаптироваться, чтобы сделать телесный процесс комфортным и для танцовщика, и для хореографа. Так, чтобы в итоге не разрушить создание спектакля.

Идеальная связь между собой хореографом и собой танцовщиком, для меня состоит, например, в том, что я стараюсь не менять и не подстраивать со временем под себя лексику так, как мне удобно, только потому, что сегодня у меня болит нога или спина. Я стараюсь очень честно сохранить тот материал, который я, как хореограф, дала себе танцовщику (смеется). Мне очень важно сохранять и трепетно беречь работу с теми задачами, ради которых она была рождена изначально. Поэтому для меня секрет идеальной связи этих двух своих ролей – максимальная честность.



О ВАЖНОСТИ КЛАССИЧЕСКОГО ТАНЦА

На сегодняшний день, мне кажется, что танцовщик любого направления – классический танец, современный танец, народный, неважно – всегда должен быть открыт новому: новой информации, хореографу, новой работе.
Каждый день находить внутри себя мотивацию. Никогда не позволять в репертуаре и в рутине убивать то, ради чего ты выходишь на сцену – магию танца, магию театра, магию спектакля.
Танцовщик должен владеть различными техниками, причем хорошо, предположительно в совершенстве или хотя бы около того. На сегодняшний день, если мы сделаем упор на танцовщика, который работает в музыкальном театре, то ему понадобится – классический танец, партнеринг, работа в партере или floor work, contemporary dance, основы джаза, модерна. Народный я бы тоже брала, хотя бы немного в зависимости от репертуара. Это такие столпы, без которых невозможно качественное профессиональное движение. Потому что очень часто бывает технически танцовщики развиты в современном танце, все очень здорово и быстро, в партере работают прекрасно или в партнеринге, или в импровизации. Но… не могут, например, поднять технически верно ногу только потому, что у них совсем нет классического танца и мышечный скелет не прокачан. Кстати, лаборатория, импровизация тоже безумно важный пункт, обязательный для всех профессионалов. Еще здорово, когда танцовщик обладает легкой самоиронией. И очень важный пункт - найти для себя грамотное время для качественного отдыха, саморегенерации и восстановления. Чем выше профессионализм, тем большее значение придается этому пункту.

БЕСЦЕННО, КОГДА ХОРЕОГРАФ ОБЛАДАЕТ СОБСТВЕННЫМ ТЕЛЕСНЫМ ЯЗЫКОМ И ЛЕКСИКОЙ

Хореограф на сегодняшний день интересен, на мой взгляд, когда он эрудирован. Отслеживает современные тенденции, тренды, направления в современном искусстве, ориентируется в принципе в мировой культуре, в истории искусств. Здорово, когда хореограф умеет сочетать различные дисциплины между собой.
Для меня просто бесценно, когда хореограф обладает собственным телесным языком, собственной лексикой.
Если мы говорим про спектакль, в рамках музыкального театра, то всегда интересно то, как хореограф всё соединит внутри работы, какое будет режиссерское решение.
Важно, как хореограф работает с художниками. На сегодняшний день хореографу необходимо уметь работать в коллаборации с художником, сценографом, художником по свету и по костюмам, композитором. Это совсем другой уровень профессионализма.
На мой взгляд, любой хореограф должен быть очень терпеливым, в идеале - очень грамотно вести педагогический процесс. Хореограф, который является хорошим педагогом-репетитором, - прекрасное дополнение к хореографу-постановщику. Он может очень грамотно и точно вычистить то, что он создает.
Он должен соблюдать субординацию с танцовщиками, на мой взгляд, и при этом уметь решать, как третейский судья любые спорные процессы внутри труппы или танцевальной компании, и всегда оставаться тем самым четким звеном, готовым взять ответственность за весь процесс. Хореограф всегда в ответе за весь спектакль, за всё, что в итоге родится.

Современному хореографу важно отсматривать всё, что создается в сегодняшнем дне. Чтобы не выпадать из контекста и не останавливаться в одной точке. И очень важно, мне кажется (я это все время добавляю, потому что по сути хореограф все равно никому ничего не должен), если хореограф растет из работы в работу, словно вырастает из своих спектаклей и каждый раз делает шаг вперед. Тогда это интересно. А когда он совсем останавливается или делает однообразные вещи, если в них есть что-то ценное, тогда ок. Наверное, это дело концепта. Но мне интересно разное. Пускай там будет одна лексика одного хореографа (его телесность), но это будут разные работы с его почерком. Как это делают великие мастера.



Я ХОЧУ ПЕРЕДАТЬ ЗРИТЕЛЮ СИЛУ, ЧЕСТНОСТЬ, СМЕЛОСТЬ, ЛЮБОВЬ К ЖИЗНИ

Эти три персонажа – три великих творца, гения – каждый из них ценен и жизненно важен для меня. В спектакле через осмысление образов этих трех фигур я нахожу свое «я».
Фриду Кало я полюбила очень давно, как-то интуитивно ее почувствовала. У меня была череда очень тяжелых операций. Это был период жизни, когда я долгое время испытывала дикую, продолжительную боль, ситуация была тяжелая, и прогнозы не радовали. Это было время, когда я чувствовала себя очень одинокой в этом опыте проживания крайней степени боли. И Фрида меня спасла. Ее история, ее искусство, ее обезоруживающее глубокое одиночество и вместе с этим невероятное желание жить, немыслимая сила духа, смелость. У меня появилось чувство, что я понята ею. И что пока человек дышит, он может встать и идти дальше. Поэтому Фрида. Ее стрежень.

Чайковский любим с детства. Его «Русский танец» - такой точный и тонкий, так верно соединяющий в себе всё то, за что можно любить свою родину. Я чувствую композитора усталым, закрытым и отрешенным. В спектакле мы застаем его в бессилии и бесконечной любви к тому, что он создает, не может не создавать, не может остановиться в своем творчестве. Сквозь него идут потоки, и мне это очень близко. У меня часто бывают такие состояния. Это одновременно и вдохновляет, и истощает.

Хазрат Инайат Хан – философ, музыкант, суфий, мистик. Его мудрость, его чистое принятие жизни, людей, его понимание мироустройства, смыслов, причин и следствий - всё это помогло и продолжает помогать проходить через то, с чем нас сталкивает реальность. Я родилась в стране, где в тот период начался военный конфликт, который унес жизни близких для меня людей. И меня не отпускает чувство горечи и потери. В спектакле есть сцена, где я строю песочные города, в память о городах, которые были разрушены, в память обо всех унесенных жизнях. Для меня вся эта сцена о принятии. Как это принять и как это простить? И я учусь этому у Хазрата Инайат Хана. Он про любовь и жизнь. «Смотри в свое Сердце, как только увидишь Любовь — больше никогда не отводи глаз» - его слова.

В Триптихе мне важно не просто рассказать о себе – «смотрите, вот она какая я, невероятно интересная со своим опытом, рефлексией, танцем, голосом». Я очень хочу передать зрителю эту силу, стержень, честность, смелость, любовь к жизни – всё то, что каждый раз открываю в этом спектакле, проходя сквозь образы трех героев.

Надеюсь, что это и будет тем, что откроет для себя зритель. Но это всегда загадка. Каждый человек, приходя на спектакль, приносит с собой свой мир. По моим наблюдениям, после «Триптиха» зритель выходит с какой-то внутренней тишиной, старается «не расплескать» ощущения. По крайне мере, так они говорят и пишут спустя какое-то время после спектакля. Сразу после спектакля часто выходят на сцену, чтобы обнять. Молча. Больше всего мне хочется открыть для зрителя красоту и ценность жизни. Я восхищаюсь Человеком, способным подняться после падения, способным двигаться дальше, прощать, любить, жить и творить.
Комментарии
Написать


Написать
Отменить
Читайте также

Регистрация

на конкурсы

и фестивали

30.03.2024 - 30.03.2024
6.04.2024 - 7.04.2024
18.05.2024 - 18.05.2024

Все для танцев